segunda-feira, 31 de julho de 2017

Entrevista Marco Aurélio Vasconcellos e Martim César

Programa 'Uma charla na boca da noite' - Radio Sul Net - Porto Alegre - RS

Para quem quiser ouvir uma conversa sobre música e histórias dos festivais do Rio Grande do Sul.

https://soundcloud.com/radiosulnet/uma-charla-na-boca-da-noite-marco-aurelio-vasconcellos-e-martim-cesar

quinta-feira, 22 de junho de 2017

Ceará, Minas Gerais e Rio Grande do Sul vencem Mostra Competitiva de Música do XII Festival de Inverno da Serra de Meruoca



Foi finalizada, neste fim de semana, a 12ª edição do Festival de Inverno da Serra de Meruoca, que teve como vencedores o Ceará e Minas Gerais. O evento marcou o retorno do festival ao calendário cultural do Estado e do Brasil.
O festival, iniciado no último dia 15 de junho, apresentou sua tradicional mostra competitiva de música, reunindo grande público no Estádio Municipal para acompanhar e conhecer os trabalhos de músicos, compositores e intérpretes cearenses e de outros estados do Brasil. Estima-se que 20 mil pessoas tenham comparecido ao encerramento.
Confira os vencedores:
1º – Dá-me a Ti – Edu Asaf (Sobral-CE)
2º – Casa dos Viajantes – Zebeto Corrêa/Martim César (Belo Horizonte – MG- Jaguarão – RS))
3º – Prece – Eudes Fraga (Pedra Branca – CE)
Música de aclamação popular – Forró do Luiz – Cumpade Barbosa
Melhor intérprete: Lúcio Ricardo (Pedra Branca–CE)
Após a premiação, o palco recebeu o show do cantor Raimundo Fagner. Juntos, Fagner e Guilherme Arantes dividiram o palco cantando músicas de seus repertórios e prestando homenagem também ao cantor Belchior.
Para a participação na mostra competitiva de música, a organização recebeu número recorde de 177 canções dos mais variados estilos, inscritas oriundas de diversos estados do Brasil – Rio Grande do Norte, Piauí, Paraíba, São Paulo, Rio de Janeiro, Rio Grande do Sul e Minas Gerais, e também de 20 cidades cearenses, entre as quais, Meruoca, Sobral, Tianguá, Viçosa do Ceará, Ipu, Crato, Juazeiro do Norte, Barro, Ocara, Pacajus, Maracanaú, Aquiraz, entre outras.
Repórter Ceará – Fotos: Alcides Mota

quinta-feira, 8 de junho de 2017

Os gaúchos e sua raíz Ibérica

MARTIM CÉSAR E MARCO AURÉLIO VASCONCELLOS apresentam um disco histórico
Acordeonista dos fados e a amiga cozinheira num cantinho azul de Lisboa , em registro do
colunista no ano de 1973 
Por Juarez Fonseca no Paralelo 30

Um dos mais premiados compositores/intérpretes dos festivais nativistas e o principal letrista gaúcho dos anos 2000 unem novamente suas forças e gerações em um arrojado projeto poético-musical: o álbum Doze Cantos Ibéricos & Uma Canção Brasileira, que está sendo lançado hoje ( 02/06) no Teatro do Sesc.

Marco Aurélio Vasconcellos e Martim César inauguraram a parceria em 2011 com Já se Vieram!, disco dedicado ao universo das carreiras de cavalos no interior do Estado. Desta vez vão bem mais longe, mas sem sair do lugar. Escritor e pesquisador de grande erudição sobre a história deste pedaço do mundo formado pelo Rio Grande do Sul, o Uruguay e parte da Argentina, Martim teve a ideia de resumir em música a formação cultural dos habitantes da região no que ela tem de mais remoto, as raízes ibéricas. 

- Quantos sabem que as receitas de doces que fazem a fama de cidades como Pelotas são açorianas? Que as alpargatas e boinas que muitos gaúchos usam, bem como a tecnologia de construção de mangueiras e pontes de pedra, são de origem basca? Que muitas canções e danças que integram nossa cultura têm origem nos primeiros povoadores? - pergunta Martim.

Depois de mergulhar nos livros e deles extrair lugares, paisagens, personagens, lendas e aventuras da dimensão das grandes navegações, ele imprimiu-os nas letras que Marco Aurélio musicou.

- Nunca fui fã do fado, até que em certo momento, antes deste trabalho, me dei conta de que minhas composições nativas tinham algo de fado - conta Marco. - Como explicar isso? Atavismo, talvez. E, agora, as melodias iam brotando ao natural, também não sei explicar...

Com tudo pronto, em 2014 os parceiros viajaram para Portugal e Espanha em busca da cor local para depurar o que haviam feito. Andaram pelo Alentejo, o Algarve, Coimbra, Lisboa da Mouraria e Alfama, o Porto, os rios Mondego, Tejo e Ebro, a Galícia, Santiago e seus caminhos, Astúrias, Catalunha, o País Basco, Andaluzia, Sonharam com Cabral, Dom Pedro e Inês de Castro, Colombo, El Cid, Cervantes, singraram o imenso mar - o encarte do CD, com 28 páginas recheadas de fotos da viagem, inclui muita informação extra e citações de Camões, Eça, Saramago, Antonio Machado, Florbela Espanca. Mas não se pense que as canções sejam mero registro histórico - o que já seria interessante. Nada disso. Elas têm vida própria, são moldadas com o olhar, a inspiração, a sensibilidade e o amor de hoje. Martim se supera. 

O primeiro lançamento foi no Teatro Esperança em Jaguarão - 26/05/2017
MELANCOLIA PORTUGUESA, DRAMATISMO ESPANHOL

A música de abertura do álbum, Sobre os Telhados de Lisboa, termina assim: "A nave-mestra deixa o cais/ Com esse olhar de unca mais/ Que Portugal gravou em mim/ Devo partir, içar as velas/ Rumar ao porto de outras eras/ singrar o azul do mar sem fim". Alguns títulos: Velhas Casas de Coimbra, Onde o Vento faz a Curva, España, Cuando Te Nombro, Céus de Castilla y León, Antes de Ser Marinheiro, O Fado se Faz ao Mar.

Marco Aurélio e Martim: parceria dos músicos chega ao seu momento alto
A melancolia portuguesa e o dramatismo espanhol, unidos no Novo Mundo, fazem a essência do trabalho, que se encerra com o humor de Notícias da Terra Brasílis, gaiata versão da carta de Pero Vaz de Caminha, contando ao rei que permanecerá no Brasil para "dar início à mestiçagem". Aliás, deve ser parente dele o brilhante Marcello Caminha, referência de violonista na música gaúcha, produtor e arranjador do álbum, que chamou para ajudá-lo o não menos Elias Barboza (bandolim) e Marcelo Caminha filho (baixo, percussão). 

Uma obra tão significativa, histórica mesmo, merece todos os créditos: produção executiva de Elis Vasconcellos e Martim César, fotos de Elis e Regina Lopes d'Azevedo, projeto gráfico (impecável) da Nativo Design, técnico de gravação Érlon Péricles, masterização do mestre Marcos Abreu. Parabéns!

quinta-feira, 25 de maio de 2017

Os Concertos de Brandenburgo, de Johann Sebastian Bach


Há uma série cômica de livros ingleses que nos ensina a como blefar culturalmente, a como falar sobre coisas que absolutamente desconhecemos.  A série chama-se Manual do Blefador e divide-se em Literatura, Música, Filosofia, Artes Plásticas, etc. No livrinho de Música, o verbete Bach diz o seguinte: se você quiser impressionar um chefe ou uma potencial futura namorada ou namorado que conheça Bach, jamais tente enganá-los, pois a obra do compositor é muito grande, de alta qualidade — as pessoas tornam-se fanáticas por ele — e não se pode adivinhar sobre o que fanático vai querer falar aquele dia. Então o jeito é preparar o melhor suspiro possível e dizer dramaticamente “Ah… Bach!”, indicando que está absolutamente sem palavras. Deixe que o outro fale.
É sempre surpreendente o tamanho e o grau de influência de Bach, assim como sua colocação como pedra fundamental de toda a cultura musical. E o mundo criado por Bach foi desenvolvido numa época em que não havia plena noção de obra; ou seja, Bach não se colecionava para servir à posteridade como os autores passaram a fazer logo depois. Ele escrevia para si, para seus alunos e contemporâneos. O que se sabe é que ele gostava das coisas bem feitas e era um brigão — passava grande parte de seu tempo solicitando mais e melhores músicos e procurando empregos mais rendosos. Tinha família enorme, conta-se 20 filhos, dos quais dez passaram pela alta mortalidade infantil do início do século XVIII. Mas sabe-se pouco a respeito de suas opiniões e vida interior, há apenas um episódio pessoal bem conhecido:
Johann Sebastian havia feito uma longa viagem de trabalho e ficara dois meses fora. Ao retornar, soube que sua mulher Maria Barbara e dois de seus filhos haviam falecido. Dias depois, Bach limitou-se a escrever no alto de uma partitura uma frase: “Deus, fazei com que seja preservada toda a alegria que há em mim!”. Pouco tempo depois ele casou de novo, continuou fazendo um filho após o outro e, como não existiam, na época, equipes de futebol, ele pode forjar, em seu próprio seio familiar, uma orquestra de câmara… Realmente, ouvir Bach é uma alegria; dá para perceber naqueles contrapontos malucos uma risada contra a fixidez da forma musical barroca.
The Neues Bach Denkmal meaning new Bach monument
stands since 1908 in front of the St Thomas Kirche
 church where Johann Sebastian Bach is buried in Leipzig Germany
Bach costumava ganhar mais que seus pares, mas nada que fosse espantoso. Era respeitado mais como virtuose do que como compositor — Telemann era considerado o maior compositor de sua época. Nosso herói também produzia cerveja em casa, mas este é um tema sobre o qual podemos falar futuramente.
A enormidade e a perfeição daquilo que Bach criava e que era rápida e desatentamente fruída pelos habitantes das cidades onde viveu, era inacreditável. Tentamos dar dois exemplos: (1) Suas obras completas, presentes na coleção Bach 2000, estão gravadas em 153 CDs da mais perfeita música. Grosso modo, 153 CDs são 153 horas ou mais de 6 dias ininterruptos de música original. E, (2), ele parecia divertir-se criando dificuldades adicionais em seus trabalhos. Muitas vezes o número de compassos de uma ária corresponde ao capítulo da Bíblia onde está o texto daquilo que está sendo cantado. Em seus temas aparecem palavras — pois a notação alemã (não apenas a alemã) é feita com letras — e suas fugas envolvem verdadeiros espetáculos circences que só podiam ser apreendidas por especialistas. Em poucas palavras, pode-se dizer que o velho sobrava… E imaginem que durante boa parte de sua vida Bach escrevia uma Cantata por semana. Em média, cada uma tem 20 minutos de música. Tal cota, estabelecida por contrato, tornava impossível qualquer “bloqueio criativo”. Pensem que ele tinha que escrever a música, copiar as partes e ainda ensaiar para apresentar domingo.
Príncipe Leopoldo de Köthen

Poucas obras musicais são tão amadas e interpretadas como os seis Concertos de Brandenburgo de Johann Sebastian Bach. Tais concertos exibem uma face mais leve do gênio de Bach e, na verdade, fizeram parte de um pedido de emprego. Em 1720, aos 35 anos, Bach parecia feliz em Köthen. Ganhava adequadamente, seu patrono não só amava a música como era um músico competente. O príncipe Leopoldo de Köthen, do principado de Anhalt-Köthen, parte do Sacro Império Romano Germânico, gastava boa parte de sua renda para manter uma orquestra privada de 18 membros e convidava artistas viajantes para tocar com eles. Como calvinista, o Príncipe Leopoldo utilizava pouca música religiosa, liberando Bach para compor e ensaiar música instrumental secular. No entanto, o relacionamento pode ter azedado quando Bach solicitou a compra de um órgão. O pedido foi rejeitado.
A capa dos concertos dedicados ao Margrave de Brandenburgo

Então, em 1721, Bach apresentou-se ao Margrave (comandante militar) Christian Ludwig de Brandenburgo com um manuscrito encadernado contendo seis concertos para orquestra de câmara com base nos Concerti Grossi italiano. Não há registro de que o Marqrave tenha sequer agradecido a Bach pelo trabalho — e muito menos pago por ele. O Margrave jamais imaginaria que aquele caderno — mais tarde chamado de Concertos de Brandenburgo — se tornaria uma referência da música barroca e ainda teria o poder de mover as pessoas quase três séculos mais tarde.
O Margrave de Brandenburgo Christian Ludwig
Em outras palavras, Bach escreveu os Brandenburgo como uma espécie de demonstração de suas qualidades, um currículo para um novo emprego. A tentativa deu errado. O Margrave de Brandenburgo nunca respondeu ao compositor e as peças foram abandonadas, sendo vendidas por uma ninharia após sua morte. Mesmo rejeitados, osConcertos de Brandenburgo sobreviveram em seus manuscritos originais, aqueles que tinham sido enviados para o Margrave de Brandenburgo no final de março de 1721. O título que Bach lhes dera era o de: “Six Concerts avec plusieurs instruments” (“Seis Concertos para diversos instrumentos”).
Os Brandenburgo foram encontrados no inventário do Margrave em um lote maior de 177 concertos, entre “obras mais importantes” de Valentini, Venturini e Brescianello. Logo após a morte de Bach, sua música instrumental foi esquecida. Só sua música religiosa permaneceu, ainda que pouco interpretada.
Os Concertos de Brandenburgo são destaques de um dos períodos mais felizes e mais produtivos da vida de Bach. É provável que o próprio Bach tenha dirigido as primeiras apresentações em Coethen. O nome pelo qual a obra é hoje conhecida só apareceu 150 anos mais tarde, quando um biógrafo de Bach, Philipp Spitta, chamou-os assim pela primeira vez. O nome pegou.
Bach pensava nos concertos como um conjunto separado de peças. Cada um dos seis concertos requer uma combinação diferente de instrumentos, assim como solistas altamente qualificados. O Margrave tinha sua própria orquestra em Berlim, mas era um grupo de executantes em sua maioria medíocre. Todas as evidências sugerem que estes concertos adequavam-se mais aos talentos dos músicos de Coethen.
Ora, como é que uma cidade provinciana tinha tão excelentes músicos? Pouco antes de Johann Sebastian ter chegado à cidade, um novo rei tinha assumido o trono da Prússia. Frederico Guilherme I tornou-se conhecido como o “Soldado Rei”, porque estava interessado na força militar do seu reino, não em atividades artísticas refinadas. Um dos primeiros atos reais foi dissolver a prestigiada orquestra da corte de Berlim. Sete destes músicos foram trabalhar em Coethen para o Príncipe Leopold.
É por isso que Bach encontrou uma rica cena musical quando lá começou a trabalhar em 1717. Acostumou-se ao luxo de escrever para virtuosos, como o caso do trompete do Concerto Nº 2 e do violino do Nº 4.
Joshua Rifkin oferece uma explicação para que os Brandenburgo fosse ignorados por quem os recebera: “Como iria acontecer tantas vezes em sua vida, o gênio de Bach criava obras acima das capacidades dos músicos comuns e por isso eram esquecidas. Só mesmo em Coethen poderiam ser interpretadas!”. Com efeito, os Concertos permaneceram desconhecidos por meia dúzia de gerações, até que foram finalmente publicados em 1850, em comemoração ao centenário da morte de Bach. Mesmo assim, sua popularidade teria de esperar pelos toca-discos.
Os Concertos de Brandenburgo talvez sejam um dos maiores exemplos do pensamento criativo de Bach, pois compreende estilo contrapontístico, variedade de instrumentação, complexa estrutura interna e enorme profundidade. Eles não se destinavam a deslumbrar teóricos ou a desafiar intelectuais, mas sim causar puro prazer a músicos e ouvintes.
Manuscrito do terceiro Concerto de Brandeburgo de Bach
O concerto era a forma mais popular de música instrumental durante o barroco tardio, o principal veículo de expressão para os sentimentos, papel depois assumido pela sinfonia. Cada Brandenburgo segue a convenção do concerto grosso, em que dois ou mais instrumentos solo são destacados de um conjunto orquestral. Os concertos também observam a convenção de três movimentos, rápido-lento-rápido.
O único Concerto em quatro movimentos é o primeiro, ao qual foi adicionada uma dança final. Sua orquestração é incomum, podendo ser chamado de “concerto sinfonia.” Talvez Bach quisesse dar um começo forte e rústico, destinado a alguém preguiçoso que fosse julgar o conjunto apenas por sua abertura. No entanto, apesar de seu apelo imediato para os ouvidos conservadores, cada movimento tem a marca de Bach.
Os outros concertos estão mais próximos do modelo de concerto grosso padrão. Para o gosto deste que vos escreve, apesar de suas qualidades, o pesado Concerto Nº 1 é o patinho feio da coleção. É a partir do Concerto Nº 2 — para violino, flauta, oboé e trompete — que a leveza, a ousadia e a invenção tomam conta do conjunto, indo até o final. Na minha opinião, os concertos de Nº 3, 4 e 5 são insuperáveis.
O concerto Nº 3 for escrito para 3 violinos, 3 violas, 3 violoncelos e contínuo, formado normalmente por cravo e contrabaixo.
O Nº 4 foi escrito para violino e duas flautas. O 5º para flauta transversa, violino e cravo.
A enorme inventividade de Bach também reside nas curiosas combinações instrumentais: no quarto, por exemplo, o grupo habitual de cordas e contínuo acompanham o violino solo e duas flautas em um discurso musical brilhante. No quinto, Bach faz uso de uma flauta transversal, de violino e do cravo, mas o que resulta parece ser um antecessor dos grandes concertos para teclado. Ouçam, para exemplo, sua elaboradíssima cadenza do primeiro movimento.
Sem prejuízo dos outros concertos do ciclo, faço uma menção àquele que me trouxe para “dentro” da música erudita: o terceiro, que foi projetado para três grupos instrumentais que consistem em três violinos, três violas e três violoncelos, mais baixo contínuo. Escrito em três movimentos, com o segundo sendo um passeio no campo da improvisação, tem no primeiro e terceiro movimentos fascinantes e alegres temas e contrapontos, verdadeira exposição do virtuosismo de Bach como compositor. Para mim, ele é “o concerto barroco por excelência”.
(Sim, eu estava no banheiro quando meu pai colocou a agulha do toca-discos no começo do Concerto Nº 3. Saí de lá aos gritos, perguntando o que era aquilo. Nunca me recuperei).
Em minha cabeça, esses concertos são das peças mais tocadas. Muitas vezes caminho pelas ruas assobiando-as. E tenho a melhor das convivências com elas).